Um Gato como o do Simon

É relativamente comum uma série de tiras cómicas ser transposta para a animação, face ao seu sucesso nos jornais, ou em livro. Dos “Peanuts”, a “Garfield”, ou a “Dilbert”, não faltam exemplos do género. O que já é menos vulgar é uma série de animação, nascida na Internet, dar origem a um livro de tiras, mas foi isso que aconteceu com “O Gato de Simon” de Simon Tofield, acabado de chegar às livrarias portuguesas numa edição da Objectiva, uma divisão literária nacional do grupo editorial espanhol Santillana.
Lançado em simultâneo em mais de 16 países, mesmo a tempo do Natal, “O Gato de Simon” tem tudo para ser um grande sucesso de vendas, também em Portugal, sobretudo tendo em conta o extraordinário sucesso das animações originais, que já tiveram mais de 45 milhões de visionamentos na Internet.
Animador na Tandem Films, um premiado estúdio de animação londrino, Simon Tofield teve a ideia para o primeiro filme de Simon’s Cat, “Cat Man Do”, uma vez em que o seu gato Hug o acordou, pondo-se a saltar em cima da cama e a miar, tentando chamar a atenção do dono para que já não tinha comida. Esse foi o ponto de partida para o filme, animado inteiramente pelo próprio Simon numa mesa gráfica, usando o programa Adobe Flash. Quanto o resultado final chegou ao You Tube, teve mais de 3 milhões de visionamentos em pouco tempo e ganhou o prémio para “Melhor Comédia” nos British Animation Awards, de 2008. Seguiram-se mais 4 filmes de animação, o último dos quais, “Hot Spot”, foi lançado em finais de Setembro deste ano, pouco antes da saída do livro.
Da passagem da animação para as tiras de BD, o “Gato do Simon” (a série ficou com esse nome, porque Simon não sabia que nome lhe dar e como todos os amigos se referiam ao protagonista dos filmes como “o gato do Simon”, essa designação acabou por pegar) manteve as suas principais características, graças ao traço muito simples, mas de grande expressividade e eficácia de Toliver e ao facto de ser uma série sem quaisquer diálogos, em que a acção é contada apenas com o recurso à imagem. Se algumas das histórias criadas para a animação são recontadas em tiras (embora em alguns casos, com perda de eficácia), as tiras permitem alargar o universo da personagem tirando-o de casa e levando-o para o jardim, onde interage com os pássaros e com uma daquelas estatuetas de um anão de jardim, que o gato do Simon trata como se tivesse vida, nas mais conseguidas tiras do livro, a par com algumas extremamente simples, como a tira que escolhi para ilustrar este artigo, em que o gato de Simon estraçalha alegremente um saco de papel, depois de se enfiar dentro dele.

A principal diferença entre o gato do Simon e outros felinos famosos, como o Garfield, ou o Mooch da série “Mutts”, é que o gato de Simon não fala nem temos acesso aos seus pensamentos, o que não nos impede de perceber exactamente o que ele quer, sobretudo se também tivermos um gato em casa…
Mas a força do “Gato de Simon” é também a sua limitação. É uma série feita por alguém que adora gatos (além do Hugh, Simon Tofield tem mais 3 gatos) com que as pessoas que têm gatos se identificam imediatamente, mas que deixa razoavelmente indiferente, ou admirado com a passividade de Simon e com vontade de meter o gato no micro-ondas, aqueles que não gostam de gatos.
No meu caso, como feliz tratador de um casal de gatos (já há muito que perdi as ilusões de que sou dono deles) devo confessar que adorei os filmes e o livro de Simon Tofield, que me parece a prenda de Natal ideal para quem tiver gatos.


(“O Gato do Simon”, de Simon Tofield, Objectiva, 238 pags, 14 €
http://www.simonscat.com)

Texto originalmente publicado no Diário As Beiras de 5/12/2009

Mort Cinder, ou a morte que nunca deixa de o ser

Considerado muito justamente como o maior argumentista de Banda Desenhada de língua espanhola, Hector German Oesterheld, ao longo da sua carreira de quase três décadas (carreira extremamente produtiva, mas que foi tragicamente encurtada pela repressão da ditadura militar argentina) escreveu mais de cento e sessenta histórias para cinquenta desenhadores diferentes. Conciliando a quantidade com a qualidade na sua escrita, Oesterheld soube sempre encontrar desenhadores à altura do seu talento, conseguindo criar as parcerias adequadas a cada projecto.
De Solano Lopez em El Eternauta, passando por Arturo Del Castillo em Randall, até uma colaboração com Dino Battaglia em Capitan Caribe, foram inúmeros os desenhadores com quem Oesterheld colaborou, mas as suas parcerias mais importantes foram as que estabeleceu com Hugo Pratt e Alberto Breccia. Dois artistas que se vão encontrar em Buenos Aires, como professores na Escola Panamericana de Arte, instituição que vai formar artistas como José Muñoz, ou Eduardo Risso, entre (muitos) outros talentos argentinos e que foi criada em 1956, no mesmo ano em que foi abortado um golpe militar que pretendia recolocar Peron no poder.

Além da experiência de docência, os dois desenhadores atrás referidos vão igualmente partilhar os serviços de Oesterheld, chegando até Breccia a desenhar alguns episódios de Ernie Pike, uma das séries que ajudou a cimentar a fama de Pratt. Mas a primeira colaboração entre Alberto Breccia e Oesterheld deu-se em 1957, com Sherlock Time, um policial com toques de ficção científica e de fantástico, protagonizado por um detective que podia viajar no tempo (o nome, Sherlock Time, não engana), em que Breccia conseguiu criar um ambiente estranho e fantástico, sem no entanto abdicar de uma representação minuciosa e realista da cidade de Buenos Aires, onde se desenrola a intriga. Ou seja, algo que encontramos também em El Eternauta, em que os leitores argentinos descobriram um espaço quotidiano que bem conheciam, a cidade de Buenos Aires, retratada com rigor fotográfico por Solano Lopéz, perturbado por fenómenos extraordinários (no caso de El Eternauta, uma invasão extraterrestre).
José Muñoz , discípulo de Breccia, define assim o traço do mestre em Sherlock Time: “em cada toque de pincel, frio, preciso e rigoroso, encontramos o tempo fechado definitivo de cada desenho. Esse pincel frio, queima”.

Em 1962, ano em que um golpe militar pretende pôr fim à actividade da guerrilha argentina, iniciada três anos antes, começa a ser publicada na revista MISTERIX aquela que é considerada a obra-prima da dupla Breccia/Oesterheld: a série Mort Cinder. Mort Cinder, como o definiu o próprio Oesterheld: “é a morte que nunca deixa de o ser (...) um herói que morre e ressuscita, e no qual há angústia e tortura". Esta capacidade de morrer e viver de novo, permite à personagem atravessar diferentes épocas e locais da história, dos quais guarda uma memória latente. O filósofo argentino Óscar Masotta, compara Mort Cinder a o Fantasma, personagem criado por Lee Falk, salientado o que os separa: “na verdade, Mort Cinder, o “homem das mil e uma mortes”, é uma interessante inversão do esquema que rege a personagem de Lee Falk, o ‘‘fantasma que caminha”, o único herói de BD que morre... (no Fantasma, o personagem não morre, só morrem os homens que vestem o fato de Fantasma, que passa de gerações em, gerações; em Mort Cinder o homem é imortal, só morrem as suas múltiplas incarnações históricas).”

Pessoalmente, prefiro antes ver Mort Cinder, como a sequência lógica de outras personagens criadas anteriormente por Oesterheld, pois tal como Sherlock Time, ou o Juan Salvo de El Eternauta, Mort Cinder é mais um herói criado por Oesterheld que está liberto das leis do espaço e do tempo.
Se no caso de Juan Salvo e Sherlock Time essas viagens são feitas com recursos a máquinas sofisticadas, Mort Cinder viaja através da sua memória e das recordações que ela encerra. Recordações que são normalmente espoletadas por um qualquer objecto, cuja história está ligada a uma anterior vivência de Cinder. De modo a facilitar o reviver dessas experiências, Oesterheld criou como co-protagonista e narrador da série, a personagem de Ezra Winston, um antiquário amigo de Mort, que tem as feições do próprio Alberto Breccia, numa perturbante antevisão do que seria o rosto envelhecido do desenhador, algo que Breccia já tinha tentado antes com Eustáquio Mendez, personagem que aparece en El Ídolo, o segundo episódio de Sherlock Time, e cujas parecenças com Ezra Winston e com o próprio Breccia, são tão evidentes como inegáveis. Já o rosto de Mort Cinder, que Breccia demorou a encontrar, razão que obrigou Oesterheld a retardar a entrada em cena de Cinder no episódio inicial, Os Olhos de Chumbo, é inspirado em Horácio Lalia, um futebolista que mais tarde se tornaria também ele desenhador, tendo um dos seus álbuns, com adaptações de Edgar Alan Poe (O Gato Preto), sido publicado em Portugal pelas Edições Asa.

Demos outra vez a palavra a Oesterheld, desta vez partindo de um texto escrito em 1972, em que a personagem de Ezra Wiston se define na primeira pessoa e tenta explicar quem é Mort Cinder: “as coisas velhas ficam impregnadas da vida que as envolveu. Mas muito poucos conseguem captar as angústias, as emoções que ficaram aprisionadas, fósseis invisíveis, dentro das coisas velhas. Sou uma dessas raras pessoas, daí me ter tornado antiquário. Também sinto fascinação pelos templos, não importa a religião. Tantas preces, tanta dor, tanta esperança, dormem nas paredes de um templo. Também me fascinam as armas, carregadas para sempre com a morte que alguma vez deram. Morte talvez criminosa, talvez libertadora.
Mort Cinder consegue captar melhor, muito melhor do que eu ou qualquer outro, toda essa vida cristalizada para sempre. Mort Cinder é talvez essa vida que ficou incrustada na matéria inerte (nunca direi morte) das coisas. E digo talvez, porque nem eu, que vivi tanto tempo com ele, sei dizer quem é Mort Cinder”.

A partir deste esquema narrativo simples, mas engenhoso e cheio de potencialidades, a série foi sendo construída, de forma não muito planeada e quase mecânica, com o tema dos primeiros episódios a ser estruturado à medida que eram escritos, o que justifica alguns desequilíbrios. Mas Oesterheld não se preocupava em esconder o jogo, pois declarou numa célebre entrevista a Carlos Trillo e Guilhermo Saccomano, publicada em Portugal na revista Tintin, que: “as faltas e indefinições de Mort Cinder foram mais tarde elogiadas como uma descoberta acertada. Mas mentiria se afirmasse ter sido intencional. Na realidade, esse êxito, se assim se pode considerar, foi resultado das circunstâncias”.

Este carácter experimental está igualmente patente nos desenhos de Breccia, que, quando começou a desenhar a série, “não podia saber o que devia fazer, nem tão pouco comecei a ver o que os outros faziam”, optando por um estilo próprio, em que o jogo contrastante de luz e sombras e as figuras angulosas se adaptavam ao clima específico de cada história, ajudando a criar um ambiente de permanente tensão, com Breccia a variar as técnicas conforme as necessidades das histórias, como é o caso dos dois episódios passados na prisão, em que o trabalho de tramas de Breccia é absolutamente notável. Do mesmo modo, a iluminação que Breccia dá às pranchas, digna do melhor cinema expressionista, vai tornando-se cada vez mais dramática ao longo da série, fruto do próprio estado de espírito do desenhador, cuja primeira mulher estava à morte. Para esse efeito dramático contribui, e muito, a troca do “pincel frio que queima”, usado em Sherlock Time, pela lamina que rasga a pele e as sombras, mais exactamente, laminas de barbear utilizadas como espátulas, aspecto em que Breccia foi pioneiro, tal como o seu jogo de sombras em negativo e o preto e branco de alto contraste, influenciou vários desenhadores, de José Muñoz, a Frank Miller, em Sin City.

Em 1964, após terem sido publicadas mais de duzentas pranchas, correspondentes a dez episódios, em que Mort Cinder nos guiou da construção da Torre de Babel até às trincheiras da I Guerra Mundial, passando pela Batalha das Termópilas, em que 300 espartanos retardaram o avanço do poderoso exército de Xerxes (episódio que, décadas depois, seria novamente adaptado à BD por Frank Miller, em 300) a série chega ao fim. O episódio dedicado à batalha das Termópilas é mesmo o último e nele, Mort Cinder, único sobrevivente das tropas espartanas, é deixado ir em paz pelo próprio Xerxes que, impressionado com a sua coragem lhe diz: “vai-te homem de Esparta... tu és mais Rei do que eu, és rei de ti próprio...” Um último diálogo, que poderia funcionar como epitáfio do próprio Oesterheld, “desaparecido” em 1977 e que, provavelmente durante o ano de 1978, terá pago com a vida o ter querido ser Rei de si próprio, numa terra onde os militares não tinham a nobreza de espírito do Rei Xerxes...
O grande investimento artístico e humano dos seus autores foi recompensado, pois não só Mort Cinder é tida como uma das séries mais importantes da BD mundial, como o próprio Breccia a considerava, muito justamente, como a melhor coisa que fizera.
Em Portugal, onde a obra de Oesterheld tem sido insuficientemente divulgada, Mort Cinder é honrosa excepção. O episódio O Vitral, foi publicado em 1976 no jornal Lobo Mau, numa época em que, na Argentina, Oesterheld, ligado à guerrilha montonera, já tinha entrado na clandestinidade. O resto da série está parcialmente editada em álbum pelas Edições Asa, que lançou apenas Os Olhos de Chumbo, o primeiro dos dois volumes da magnífica edição da Vertige Graphic, que publica pela primeira vez no seu formato original, todos os episódios desta magnífica série, ponto mais alto da frutuosa colaboração entre Alberto Breccia e Hector German Oesterheld.
Versão integral de um texto publicado (com alguns cortes, por questões de espaço) no catálogo da Exposição Oesterheld, o Homem como Unidade de Medida, organizada pelo Centro Nacional de Banda Desenhada e Imagem da Amadora, por ocasião do Amadora BD 2009

Blake e Mortimer: A Maldição dos 30 Denários

Na passada sexta-feira, dia 20 de Novembro foi lançada, em simultâneo na França, Bélgica e Portugal, “A Maldição dos Trinta Denários”, o mais recente álbum da série “Blake e Mortimer”, a dupla de heróis “very british”, criada por Edgar P. Jacobs. Um álbum, cuja complicada produção, de mais de cinco anos e dois desenhadores, daria ela própria uma história, a que se poderia chamar “A Maldição de Blake e Mortimer”.
Após a morte de Jacobs, em 1987, a editora Dargaud, que adquiriu os direitos da série à família, decidiu fazer reviver a mítica dupla de heróis britânicos criados pelo belga Edgar P. Jacobs, numa muito bem montada operação, envolvendo duas equipas diferentes de autores, com a ingrata tarefa, não de fazer esquecer, mas de mimetizar o traço e o ambiente da fase de ouro de Jacobs, situado entre os álbuns “A Marca Amarela” e “S.O.S. Meteoros”. Mas se a ideia inicial da editora era alternar os álbuns assinados por Jean Van Hamme (o argumentista de “XIII” e “Thorgal”, que iniciou a fase “apócrifa” com “O Caso Francis Blake”), com os da dupla Yves Sente e André Juillard, os problemas que Van Hamme teve com os desenhadores com que trabalhou, desde a lentidão de Ted Benoit, que levou mais de 10 anos para desenhar dois álbuns, até à morte de René Steerne, o desenhador que substituiu Benoit, e desenhou as primeiras 29 páginas deste “A Maldição dos Trinta Denários”, leva a que se possa falar numa maldição dos desenhadores de “Blake e Mortimer”, a que só Juillard parece imune.

Maldição ou não, foi uma pena que René Sterne, desenhador conhecido pelo seu trabalho na série “Adler” tenha morrido de repente, aos 56 anos, de ataque cardíaco, deixando à sua mulher Chantal de Spiegeleer a ingrata (e emocionalmente muito dura) tarefa de terminar de desenhar a história, um trabalho que se pressente esforçado, mas cujos resultados não são brilhantes, especialmente nas cenas de acção, campo em que a desenhadora confessa não se sentir à vontade. Chantal, que juntou inúmeras personagens femininas à história, para se sentir confortável (o que se nota numa cena como a da página 33, em que há um verdadeiro desfile de mulheres de robes e camisas de dormir, impensável num álbum de Jacobs), contou ainda com a colaboração de Etienne Schréder (o nosso conhecido autor de “O Segredo de Coimbra”) nos desenhos dos cenários e de Laurence Croix na cor, neste último caso, com resultados pouco famosos, especialmente nas cenas nocturnas, que estão quase ilegíveis…
E, a sensação que dá, perante a última página do álbum, com muito menos quadrados do que o habitual, é que houve uma preocupação em terminar mais rapidamente este primeiro volume, talvez para que o livro pudesse sair, como saiu, próximo do aniversário da morte de René Sterne, que ocorreu a 15 de Novembro de 2006.

Capa alternativa da edição portuguesa, exclusiva das lojas FNAC
Quanto à história em si, Van Hamme revela a eficácia do costume, numa intriga sem grandes surpresas para quem conhece a série e que tem como modelo óbvio “O Mistério da Grande Piramide”.
O “mau da fita”, um ex-criminoso de guerra nazi com delírios de grandeza, que é uma mistura de Rastapoupolos, com o Imperador Basam Dandu, está longe de ser dos mais conseguidos da galeria de vilões da série e também não é muito claro como é que os trinta denários que Judas recebeu por ter traido Cristo, lhe vão permitir conquistar o mundo. Mas, apesar disso, a história lê-se bem e deixa-nos curiosos para saber como termina, no segundo volume, que está a ser desenhado por Aubin Frechon, um desenhador de 42 anos, vindo da animação, e que, depois de uma história de 4 páginas num álbum colectivo, se estreia na BD com este desafio de peso. Agora esperemos que Frechon não venha a ser mais um desenhador vítima da maldição de Blake e Mortimer…

Desenho a lápis de Aubin Frechon para um quadrado do 2º volume
(“Blake e Mortimer: A Maldição dos Trinta Denários” Tomo 1, de J. Van Hamme, R. Sterne e C. De Spiegeleer, Edições Asa, 56 pags, 14,50 €.)
Versão ligeiramente revista de um texto publicado originalmente no Diário As Beiras de 28/11/2009

O Regresso de Arzak

É lançado hoje em Paris, por ocasião de uma exposição/venda de originais de Moebius o livro Arzak Destination Tassili, que assinala o regresso da mítica personagem criada por Moebius há mais de 30 anos, na revista Metal Hurlant. Depois do mundo da Garagem Hermética em Le Chasseur Deprime, Moebius regressa ao universo de Arzach com o que, tudo indica, será o primeiro volume de uma série.
Teoricamente, esta é uma versão "colector", com as imagens reproduzidas sem cor nem balões, com o texto a ser colocado nas páginas pares, conforme se pode ver aqui mas, quanto a mim, que não fiquei especialmente seduzido pela versão em tons de cinzento, vou preferir esperar pela versão a cores e com balões, a lançar em Março de 2010.
Obrigado ao Pedro Morais pela imagem e pela informação.

ISRAEL SKETCHBOOK

Embora em Portugal só recentemente se tenha começado a dar mais atenção a eles, por via do livro “Diários de Viagem” de Eduardo Salavisa, ou de experiências como o Workshop “A Riscar Lisboa”, promovido por Richard Câmara e João Catarino, a tradição dos cadernos de viagem ou diários gráficos, sempre teve bastantes seguidores entre os autores de Banda Desenhada.
Basta pensar nas magníficas aguarelas com que Hugo Pratt registava in” loco” impressões das suas inúmeras viagens, nos estudos também em aguarela de Lepage resultantes das suas viagens ao Brasil e à América Latina, no “Carnet de Voyage” em que o americano Craig Thompson descreve as suas viagens à Europa e ao norte de África, nos dois livros de Miguelanxo Prado sobre Lisboa e Belo Horizonte, ou nos desenhos feitos no Metro por autores como António Jorge Gonçalves ou Jorge Colombo, ou ainda no livro “Lisboa Cadernos”, realizado pela dupla Dupuy e Berberian aquando da sua passagem por Lisboa em 2000, a convite da Bedeteca de Lisboa, entre (muitos) outros exemplos.
A essa ilustre linhagem vem juntar-se agora Ricardo Cabral, com este “Israel Sketchbook” que a Asa lançou durante o último Festival de BD da Amadora. Embora Cabral prefira chamar-lhe “sketchbook”, o termo é enganador, pois o que nos é apresentado neste belíssimo livro, não são os esboços em estado puro, tal como foram feitos no local, mas sim uma versão posteriormente trabalhada, em que é visível o recurso ao computador e à fotografia, para além de que, pelo seu conteúdo, estamos perante um Diário de uma viagem a Israel, que na verdade foram três, conforme o autor explica na nota de abertura do livro.
Através dos mapas que funcionam como separadores de capítulos e que se vão gradualmente enchendo de informação, o leitor vai acompanhando o percurso de Ricardo Cabral e descobrindo com ele diferentes locais de Israel, de Telavive até à Faixa de Gaza, passando por Jerusalém. Trata-se, naturalmente, da visão exterior de um estrangeiro que vai descobrindo um país e as suas gentes, um retrato impressionista feito de momentos do quotidiano, que raramente resvala para o postal turístico, mesmo que alguns momentos em Jerusalém se aproximem perigosamente desse registo…
Trabalho muito mais pessoal do que o álbum “Evereste”, com que Ricardo Cabral se estreou nas livrarias em 2007, este “Israel Sketchbook”, não sendo obviamente Banda Desenhada, demonstra uma preocupação narrativa e uma articulação entre texto e imagens (algumas delas formando claramente sequências) que o aproxima da BD, o que não admira, pois Cabral, apesar da sua ainda curta obra, já demonstrou dominar perfeitamente a linguagem da Banda Desenhada.
Mas, bem mais importante do que encaixar este livro numa categoria (literatura de viagens, Banda Desenhada, ilustração) é apreciar a realidade de um país que não se limita às guerras e aos atentados, que levam a que se fale dele nas notícias.



Embora a sombra da guerra paire em alguns momentos do livro, o que fica é um bonito país e, sobretudo, a sua gente, que tão bem acolheu Ricardo Cabral e que ele tão bem retrata na imagem que escolhi para ilustrar este artigo. Como ele próprio refere: “já não é a rua que me interessa. São as pessoas que passam, os pais com os filhos, as pessoas velhas, as novas, os que vão ao telemóvel, em bicicletas, que passam de carro, os conhecidos que se cumprimentam, um tipo que levou uma multa de estacionamento… A vida que aqui há.” Vida que Cabral soube captar como poucos neste “Israel Sketchbook”.
(Israel Sketchbook, de Ricardo Cabral, Edições Asa, 214 pags,19,20 €)
Texto publicado originalmente no Diário As Beiras de 21/11/2009

Wolverine Art Appreciation - FIM

Alina Urosov - Gravura japonesa



Juan Doe - Pablo Picasso



Gerald Parel - Gustav Klimt



Laura Martin - Van Gogh

SILVERFIN - A juventude de James Bond

Apesar da crise, que tem levado a uma grande diminuição na quantidade de títulos publicados, o mercado editorial da Banda Desenhada ainda nos consegue proporcionar algumas surpresas. É o caso da Asadelta, (uma “imprint” da Editora Fio da Palavra, a avaliar pela ficha técnica do livro) que se estreia na edição de BD com este “Silverfin”, a adaptação em BD da primeira aventura do jovem James Bond.
De Sherlock Holmes até Indiana Jones, passando por Blueberry ou Spirou, não faltam as personagens de ficção cujo passado é explorado em séries paralelas que, ao mesmo tempo que procuram na infância ou adolescência dos heróis a motivação para o seu comportamento futuro, capitalizam financeiramente na vontade dos fãs em conhecerem melhor os períodos da vida dos seus heróis que os seus criadores originais não tiveram tempo, ou vontade, de explorar.
Embora os romances de Higson não sejam a primeira tentativa dos herdeiros de Fleming de explorar a juventude de James Bond (já tinha havido um romance e uma série de televisão nos anos 90, protagonizada por um sobrinho de James Bond), são sem dúvida a mais conseguida, tendo já vendido todos juntos, mais de 5 milhões de livros
“Silverfin” adapta o romance homónimo, publicado em 2005, que será o primeiro de uma série de cinco romances, em que Charlie Higson explora a adolescência do espião criado por Ian Fleming, desde os 13 anos, como aluno interno em Eton, tendo como ponto de partida as várias pistas deixadas por Fleming nos romances e contos que escreveu. Embora o cinema tenha transformado Bond numa personagem sem idade, cujas aventuras se passam num eterno presente, Higson baseia-se na cronologia criada por Fleming nos romances originais e situa a acção de “Silverfin” em 1933.
Ao contrário do que geralmente acontece, os responsáveis pela adaptação são os mesmos que trabalharam no romance original, pois o desenhador Kev Walker, que assina a adaptação conjuntamente com Higson, já tinha assinado as capas e as ilustrações dos 5 romances da série, o que explica o resultado bastante consistente, a que não será alheia a paginação generosa, que permitiu desenvolver visualmente algumas sequências, mesmo que Higson se queixe numa entrevista que, : “teria sido agradável que a Banda Desenhada tivesse ainda mais páginas, para podermos desenvolver em profundidade alguns aspectos do livro, mas não era economicamente viável”.
Mas a verdade é que a adaptação está bem conseguida e lê-se muito bem, bastando a espectacular sequência inicial para perceber que Kev Walker, um veterano dos comics ingleses e desenhador das duas últimas mini-séries de “Marvel Zombies”, sabe muito bem como contar uma história em Banda Desenhada.



Claro que aqueles que esperavam que o jovem Bond vivesse na adolescência aventuras semelhantes as que vive em adulto, vão ficar desiludidos, pois “Silverfin” é mais uma aventura de detectives juvenil, na linha dos livros dos “Cinco” de Enid Blyton, embora com um toque de fantástico e uma violência que não encontramos nos livros de Blyton, onde era pouco provável aparecerem personagens devorados por centenas de enguias geneticamente alteradas… Ainda assim, não faltam as piscadelas de olho aos fãs de Bond, desde o número utilizado por Bond na prova do triatlo (007, claro!), até ao nome do cavalo de Wilder Lawless, (Martini, como a bebida favorita de Bond em adulto) uma adolescente que cumpre aqui a função de Bond girl, mesmo que o jovem Bond não tenha ainda despertado para o sexo.
Parabéns à Asadelta por esta iniciativa inesperada e que revela um sentido de timing infelizmente cada vez menos habitual na edição nacional de BD, pois “Silverfin”, que foi publicado em Inglaterra em 2008, sai em Portugal ao mesmo tempo que em França e uns bons seis meses antes da edição americana, anunciada para Março de 2010.
(“Silverfin: As Extraordinárias Aventuras do jovem James Bond”, de Charlie Higson e Kev Walker, Asadelta, 162 pags, 15 €)

Texto publicado originalmente no Diário As Beiras de 14/11/2009